lunes, 17 de abril de 2017

LA COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA

LA COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA

Dominar la composición en fotografía es tan importante como dominar la iluminación.
Abordar el tema de la composición fotográfica no es tarea fácil. Existen numerosísimas definiciones, reglas y leyes que nos dicen cuál es la mejor manera de componer para que nuestras fotos enganchen al espectador.

En esencia, la composición es elegir la posición que tendrán los elementos dentro de una fotografía. En una manera figurada, si estos elementos y la iluminación son el vocabulario a disposición del fotógrafo, la composición es la gramática que se usa para hacer que ese vocabulario tenga un sentido y cree una frase.

La definición más completa de composición que usaremos de ahora en adelante es la que la describe como el proceso de seleccionar, disponer y enfatizar las partes que componen una imagen para apoyar y sustentar el mensaje que el fotógrafo pretende transmitir.

Saber mirar

Cuando un fotógrafo domina la técnica fotográfica, cuando tiene el mejor equipo a su disposición y cuando maneja con soltura todos los aspectos de la iluminación, aún puede faltarle una capacidad fundamental para ser un buen fotógrafo. Esa capacidad es la de Saber mirar.

Saber mirar es la habilidad de observar qué tenemos delante y visualizar mental e inmediatamente cómo eso quedará enmarcado dentro del cuadro de la foto. Es la habilidad más importante del responsable de tomar la fotografía porque, no sólo determina qué elementos visuales aparecerán en la imagen, sino también cómo influirán estos a la hora de disparar.

Mucha gente cree que saber mirar es un don pero la realidad es que casi cualquiera puede aprender a hacerlo conociendo los procesos cerebrales de la percepción de la información visual.
Comparado con la mayoría de las cualidades que se requieren para ser un buen fotógrafo, aprender a mirar es relativamente fácil de mejorar pero puede suponer un gran reto y requiere, además, de mucha práctica.

La composición y el saber mirar, están íntimamente relacionados, incluso hay quien usa los términos con el mismo significado. Sea como sea, existe una serie de reglas que nos ayudarán a ambas cosas y nos servirán de guía para organizar las formas dentro del espacio visual que tengamos disponible. Todo esto teniendo un sentido de unidad para que el resultado sea armonioso y estéticamente equilibrado.

En resumen, componer es igual a crear. La mayor parte de las buenas fotografías han sido creadas. Por tanto, si se quieren crear fotografías, hay que familiarizarse con algunos principios de la composición que estudiaremos en este capítulo.
La verdadera fuerza de una buena imagen radica en la combinación de un motivo y una composición vigorosa; lo que se decide dejar fuera de la imagen es tan importante como lo que se incluye en ella.
http://www.fotonostra.com/fotografia/componerfotografia.htm


COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA: GESTALT

LEYES DE LA PERCEPCIÓN GESTALT



La Gestalt enumeró diversas leyes relacionadas con la percepción que detallamos a continuación.
Las leyes de la Gestalt nos ayudan a entender cómo percibimos el mundo que nos rodea y la tendencia que tenemos a percibir las relaciones entre los distintos elementos como un todo.

FIGURA Y FONDO

Esta ley analiza la relación que hay entre los diferentes estímulos de la imagen. Los seres humanos tenemos tendencia a separar las figuras del fondo según su color, su forma, su tamaño, su contraste, etc.

La figura y el fondo no son estáticos como podemos ver. Ambos pueden intercambiar sus papeles y convertirse en figura o fondo según los miremos pero jamás podremos ver las dos a la vez.
Estas figuras se perciben más fácilmente cuanto más sencilla y simple sea la forma del objeto. El mejor ejemplo para esto es la imagen de las caras y las copas.

En fotografía se aplica esta ley para resaltar los objetos o las personas dentro de un contexto determinado.

SEMEJANZA

La ley de la semejanza dice que tenemos tendencia a ver las cosas que comparten características visuales como el color, la forma, el tamaño, o la textura como un todo.

En composición fotográfica el uso deliberado de la semejanza añade un significado a la imagen que es independiente del tema principal. Además, el uso de la repetición añade ritmo y eso, por lo general, suele desembocar en buenas fotografías. Esto se debe a que la semejanza y la repetición en muchas formas de arte suelen considerarse como armónicas.

PROXIMIDAD

Tenemos tendencia a percibir los objetos y las formas que están cerca las unas de otras como si pertenecieran al mismo grupo. Incluso si las formas, los colores y los objetos de éstas son radicalmente diferentes.

CIERRE

La ley del cierre dice que nuestro cerebro tiene tendencia a "rellenar los huecos" y nos da o imagina los detalles que le faltan a una figura para completarla o cerrarla. Una vez que la figura se ha cerrado eliminamos los detalles innecesarios y establecemos un patrón para el futuro.

La tendencia que tenemos a hacer esto se dispara por la sugerencia de una conexión visual o continuidad entre los elementos que, de hecho, no se tocan en una composición.

CONTINUIDAD

Este principio está muy relacionado con la ley de cierre. Viene a decir que los elementos que están orientados en la misma dirección tienden a agruparse.

Nuestra tendencia a continuar los contornos puede ayudarnos, como fotógrafos, a guiar la vista del espectador hacia el punto de interés de la imagen.

SIMETRÍA

El cerebro humano intenta organizar la información visual para hacerla lo más simétrica, estable, simple, regular, consistente, estructurada y ordenada posible.

La simetría implica que el espectador no debería tener la impresión de que algo está desequilibrado, perdido o erróneo dentro de la foto. Si algo es asimétrico da esa sensación y el espectador perdería el tiempo buscando ese problema lo que lo distraería del mensaje principal de la foto.

http://www.fotonostra.com/fotografia/leyesgestalt.htm

COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA: ENCUADRE

EL ENCUADRE EN FOTOGRAFÍA



Sacar una foto es encuadrar una parcela del mundo. Todo en la composición gira en torno al encuadre.
El ojo humano observa un espacio sin límites pero en la cámara el encuadre está limitado por cuatro lados. Por lo tanto, es necesario elegir lo que se quiere incluir y lo que vamos a excluir dentro de ese marco fotográfico, es decir dentro de nuestro fotograma. A esta elección se le llama Encuadrar una fotografía.

Los bordes de la imagen son tan importantes como la imagen en sí misma a la hora de componer una foto. Los márgenes de la imagen no sólo apoyan la composición sino que pueden ser la referencia para la orientación de otras líneas dentro de ellos. Por ejemplo, rotando el encuadre, nosotros podemos transformar un tranquilo horizonte en una diagonal que le dé dinamismo a la imagen y una sensación de desequilibrio y confusión.

Los objetos y las formas de una escena pueden ser usados como un cuadro natural dentro de una imagen. Esta técnica de encuadre consiste en enmarcar determinada parte de la escena con los elementos que tenemos en la misma. Un puente, una ventana, un espejo, etc. En nuestro día a día encontramos infinidad de cosas que pueden servirnos de marco natural.

En cuanto a la dirección y al formato del encuadre podemos decir que éstos pueden ser, horizontales, verticales, cuadrados o panorámicos.
El encuadre horizontal es también conocido como formato apaisado y es el más habitual. Esto es porque es la posición natural de la cámara de fotos y porque parece que la visión horizontal es la que más se acerca a nuestra manera cotidiana de ver el mundo.

Transmite sensación de estabilidad y dirección dándole énfasis al horizonte.
En el ámbito de la composición, la línea central vertical de un formato horizontal es considerada como "zona peligrosa" ya que puede dividir la imagen en dos y parecerá que tiene dos partes si no es la intención del fotógrafo y no ha cuidado los detalles a ambos lados.

El encuadre vertical es menos frecuente en fotografía de paisaje y mucho más común en retratos, especialmente en los de medio cuerpo. El formato vertical da énfasis a las líneas o los planos verticales y exagera la profundidad del primer plano y el fondo de la foto.

El formato vertical suele tener líneas que atraviesan el cuadro en diagonal de manera más pronunciada porque los ángulos de la fotografía son, con frecuencia, más marcados.
El formato cuadrado había caído en desuso con la casi desaparición de la fotografía Polaroid y de medio formato pero en la actualidad, aplicaciones para móvil como Instagram han hecho que vuelva a estar de moda.

El encuadre panorámico permite ver una parte de la escena mucho más amplia. Es usado con más frecuencia en fotografía de paisajes.


http://www.fotonostra.com/fotografia/encuadre.htm

COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA: PLANOS FOTOGRAFICOS

LOS PLANOS EN UNA FOTOGRAFÍA

Un factor importante en la composición es elegir el tipo de plano que tendrá nuestra fotografía.
El plano de una fotografía es la relación que existe entre el espacio que ocupa la imagen del objeto o sujeto fotografiado y la superficie total del encuadre que hemos elegido.

Esa distancia la determina el tamaño del motivo fotografiado y el espacio que hay entre este motivo y la cámara. Por supuesto, también juega un papel fundamental la óptica empleada para sacar la foto que podrá acercar o alejar la escena.
Para clasificar los planos de la imagen se toma como base la figura humana. Según esto los planos pueden ser Generales, Medios o Cortos. Dentro de estos, existen más tipos de planos.

Planos Generales

Gran plano general: En este tipo de imágenes la figura humana queda muy reducida dentro del encuadre. Aquí lo que adquiere importancia es el escenario.


Plano general: El individuo fotografiado ocupa una cuarta parte de la altura del cuadro por lo que puede ser reconocido sin ser el protagonista de la imagen.

Planos Medios

Plano Americano o Plano Medio Largo: En este tipo de planos la figura se corta, más o menos, por la altura de la rodilla. Se llama plano americano porque era uno de los más habituales en el cine clásico estadounidense. Aunque es más frecuente en cine que en fotografía, con este tipo de planos podemos ver dónde está situado el protagonista de nuestra foto y a la vez apreciar sus rasgos.

Plano Medio: El plano medio es aquel que
corta al sujeto por la cintura. Con él podemos ver con claridad su expresión y esto lo hace ser uno de los más utilizados en fotografía.

Planos Cortos

Primer Plano: En este plano el individuo se corta a la altura de las clavículas. Lo más importante en este tipo de fotos es el rostro, olvidándonos del resto del cuerpo y del entorno en el que está el sujeto. Expresa mucho mejor los pensamientos y los sentimientos y es, lógicamente, el más utilizado en retratos.


Primerísimo Primer Plano: En este tipo de fotos la cabeza del sujeto aparece cortada a la altura de la frente por arriba y de la barbilla por abajo. Lo importante son los ojos y la boca. Este tipo de imágenes acentúa la subjetividad del primer plano dándole completo protagonismo a la expresión del modelo.


Plano detalle: El plano detalle representa sólo una parte del cuerpo o del objeto. Esto produce que la trasmisión de emociones casi se anule. Es muy utilizado en fotografía de producto para enseñar las características de los materiales.


http://www.fotonostra.com/fotografia/planosimagen.htm

COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA: EL PUNTO DE VISTA

EL PUNTO DE VISTA

ANGULACIÓN DEL ENCUADRE

La altura desde la que tomemos una foto cambiará, no sólo cómo vemos los objetos, sino también la sensación que éstos nos producen.
La angulación en fotografía es el modo en el que organizamos la visión a la hora de sacar una foto. En función de esta angulación el punto de vista de la escena podrá cambiar por completo haciendo que veamos la realidad de un modo que no es habitual para el ojo humano.

Lo normal es tomar las fotografías colocado delante del sujeto, con la cámara aproximadamente a la altura de los ojos y de un modo que el plano focal y el suelo sean perpendiculares.
Cualquier otra angulación se sale de lo habitual y, por lo tanto, añade significación a la toma.


Un motivo puede encuadrarse desde diversos ángulos, acercándose o alejándose de éstos, desde arriba o desde abajo. Las proporciones y el fondo modificarán drásticamente la composición por lo que hay que tener cuidado a la hora de elegirlos.
Buscar un buen ángulo para la toma fotográfica consiste en acechar a nuestra "presa gráfica" y estar alerta ya que cualquier pequeño desplazamiento de poca distancia puede generar composiciones diferentes que serán más o menos afortunadas.


En consecuencia, nos moveremos en torno a ella acercándonos y alejándonos, si es posible, hasta conseguir un punto de vista adecuado y obtener en la mayor medida posible las siguientes cuatro características:
1.El sujeto principal de la escena debe mostrar hacia la cámara el lado que nos interesa tomar, el cual puede ser, según la intención del fotógrafo, cualquiera de los muchos frentes que el tenga.

2. Debemos buscar el ángulo de incidencia de la luz más pertinente para el concepto que deseamos comunicar. La iluminación más apreciada suele ser la que incide semilateralmente a los objetos o sujetos.
3. Los planos anteriores al motivo que queremos destacar deben estar limpios de cualquier otro elemento sobrante que interfiera en su visualización, a no ser que lo coloquemos en el encuadre con fines compositivos.

4. Los planos más lejanos del encuadre deben de ser concordantes, o por lo menos neutros, con relación a la idea que queremos expresar.

Tipos de ángulos

Los ángulos de toma se dividen en cuatro tipos, según el nivel de altura con respecto al motivo desde el cual se realicen. Cada uno de estos tiene su connotación particular y añade significado a la imagen. Esto debe ser conocido por el fotógrafo para utilizarlo a su favor de manera consciente.

Ángulo normal o medio: Es cuando la fotografía se realiza desde el mismo nivel del objeto tomado, ni por encima ni por debajo de él. Sirve para mostrar o describir algo de manera natural u objetiva.

Ángulo picado: Es cuando la imagen se toma desde una posición más alta que el objeto fotografiado, esto es, de arriba hacia abajo. Debido a la perspectiva que se produce el motivo parecerá más pequeño de lo que en realidad es. Cuando se utiliza con personas puede añadir a la imagen connotaciones negativas como dar la impresión de poca importancia, debilidad o humillación.


Ángulo Contrapicado: Es cuando la fotografía se realiza desde un lugar más bajo que el motivo tomado, quedando este más alto que la cámara.
Debido a la perspectiva que se genera, el objeto se aprecia engrandecido visualmente. Puede, en algunos casos, connotar enaltecimiento, importancia o poder.

Ángulo Cenital: Es cuando la imagen se toma en un ángulo totalmente de arriba hacia abajo, en posición perpendicular con respecto al suelo. Es decir, lo más extremo posible de una toma en picado. Produce una gráfica sin perspectiva que puede ser muy descriptiva si se aplica a objetos pequeños e inusual e interesante si se usa con elementos grandes.

http://www.fotonostra.com/fotografia/angulacion.htm

COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA: LAS REGLAS FUNDAMENTALES PARA COMPONER

LAS REGLAS FUNDAMENTALES PARA COMPONER

La mayoría de las que consideramos buenas fotografías siguen alguno o varios de los principios básicos de la composición.
En fotografía existen una serie de leyes que sirven como base para que nuestras fotos estén bien compuestas. Estas leyes o reglas, como todas las demás, no son de obligado cumplimiento pero conocerlas nos ayudará a mejorar infinitamente la composición de nuestras imágenes.

Estas reglas básicas son las siguientes:

LA SIMPLICIDAD

En composición fotográfica, la mayor parte de las veces, menos es más. Esto significa que debemos evitar registrar en la foto todos aquellos elementos que desvíen la atención del mensaje que queramos dar.


Para llevar a cabo la regla de la simplicidad se aconseja utilizar fondos sencillos, elegir la parte del motivo que queramos tomar o su totalidad si es necesaria y evitar que los motivos que no estén relacionados con el tema principal de la imagen compitan entre ellos.

LEY DE LA MIRADA

Esta ley dice que cuando estamos fotografiando a un sujeto debemos dejar un espacio, también llamado aire, en la dirección en la que el protagonista está mirando. Dejar este espacio provoca la ilusión de que ese sujeto está observando algo, aunque no lo veamos, y despierta el interés del espectador.

En consecuencia, este, mirará inevitablemente hacia donde mira el sujeto de la imagen por lo que podemos colocar ahí otro elemento sobre el cual queramos llamar la atención.

LEY DEL HORIZONTE

Este principio de la composición dice que si separamos lo que estamos encuadrando en tres partes iguales, el horizonte debería estar cerca de una de las dos líneas que lo divide.

Hablamos de la línea del horizonte pero esta regla es válida para todas las imágenes que tengan una línea más o menos horizontal que divida la composición en dos espacios significativamente diferenciados.
La ley del horizonte nos lleva también a una regla básica de la composición fotográfica que es evitar la zona central de la imagen ya que es la que menos peso visual tiene.

LA SIMETRÍA

Otra técnica que hay que tener en cuenta a la hora de componer es la simetría. Las composiciones pueden ser simétricas o asimétricas.
En las fotografías compuestas simétricamente los elementos están colocados de manera igual o similar arriba o abajo, a la derecha o a la izquierda de la imagen.

Por el contrario, la composición asimétrica tiene como características ser irregular en cuanto a estructura pero dinámica y ágil. Este tipo de composición no dispone los elementos desordenadamente sólo los organiza de distintas formas.

Es común que este equilibrio se dé en forma de letras o figuras, la S, la L, la C o la forma triangular son las más utilizadas.

http://www.fotonostra.com/fotografia/reglasfotograficas.htm

COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA: LA PROPORCIÓN ÁUREA

LA PROPORCIÓN ÁUREA

La proporción áurea fue usada como una de las primeras reglas de composición fotográfica.
La proporción áurea es uno de los principios formales de la composición visual que ha sido utilizado desde la antigüedad. Esta proporción se ha encontrado tanto en murales egipcios como mesopotámicos y aztecas, entre otras muchas culturas.

A lo largo de la historia los artistas y científicos han tratado de analizar qué hace bueno y efectivo un diseño o una composición fotográfica.
Matemáticos griegos, entre los siglos III y V antes de Cristo, teorizaron sobre lo que llamaron la Proporción Áurea. Esta proporción es el número irracional que vincula dos segmentos de la misma recta.

Los griegos identificaron una regla que parecía ser una proporción mágica o divina. Esta divina proporción divide el espacio o las líneas en una imagen placentera. Sus estudios los llevaron finalmente a describir las dimensiones matemáticas precisas de esta proporción ideal y le llamaron número áureo o número de oro.

Este número áureo, también llamado Número Phi se halló dividiendo un segmento en dos partes, A y B. La parte A es más larga que la parte B y la longitud total de la recta tiene la misma relación con A que A con B. En términos algebraicos se expresa con la siguiente ecuación: (A + B)/A = A/B. Si, por ejemplo, A, tiene un valor de 1, B dará como resultado el número phi, que tiene un valor de 1,618.

La sucesión de Fibonacci

Fibonacci es el padre de la sucesión de números que lleva su nombre y que está íntimamente relacionada con la proporción áurea. La sucesión de Fibonacci es una serie de números infinitos en el que cada una de esas cifras es el resultado de la suma de las dos anteriores. La sucesión es la siguiente, 0, 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, etc, donde vemos que 0+1 = 1, 1+1= 2, 2+1= 3, 2+3= 5 y así sucesivamente.

Curiosamente, el resultado de la división de cada pareja de números consecutivos de su sucesión, da como resultado un número muy cercano al número Phi.
A partir de este hallazgo se empezaron a hacer representaciones gráficas de la sucesión de Fibonacci. Este rectángulo, por ejemplo, está dividido en partes más pequeñas siguiendo la sucesión y con medidas que, al dividirlas, da como resultado el número áureo.

Si a esta serie de rectángulos se le traza una línea en forma de espiral uniendo algunos de los vértices hallamos la tan famosa Espiral de Oro. Esta espiral se da con muchísima frecuencia en la naturaleza. La podemos ver en determinadas plantas, en flores e incluso en conchas de caracoles.

En fotografía se ha utilizado esta proporción áurea desde los orígenes de la disciplina, intentando encuadrar los objetos en los puntos fuertes de esta espiral. Los resultados suelen ser armónicos y equilibrados utilizando esta técnica de composición.

A pesar de todo, estas leyes no son para seguirlas al pie de la letra. Solo son normas que nos pueden ser muy útiles para comenzar a componer partiendo de ellas y que podemos emplearlas o no según nuestro criterio y su adecuación al tema que se esté trabajando.


COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA: REGLA DE LOS TERCIOS

REGLA DE LOS TERCIOS



La regla de los tercios es una de las normas de composición más famosas y usadas.
La regla de los tercios es una de las técnicas compositivas más útiles en fotografía. Esto se debe a que puede aplicarse a cualquier tipo de foto para producir imágenes bien equilibradas y que atraigan la atención.

Componer según la regla de los tercios implica dividir mentalmente la imagen en 3 partes iguales. Para ello colocaremos en ese cuadro dos líneas imaginarias equidistantes. Tanto verticales como horizontales. Con esto conseguiremos cuatro puntos en los que las líneas coincidirán que son los llamados Puntos Fuertes o Principales de la imagen.


La regla de los tercios se basa en que una composición en la que los elementos estén alejados del centro es más placentera para el ojo y parece más natural que una en la que el objeto o sujeto está colocado justo en medio del cuadro.

Por esto, las imágenes resultarán más armónicas y ordenadas en cuanto a su composición si colocamos los elementos importantes en los puntos fuertes o principales. Esto hará que el peso visual aumente y toda la fotografía esté más equilibrada. El resto de los elementos de la escena pueden ir en los restantes puntos fuertes.

¿CÓMO USAR LA REGLA DE LOS TERCIOS?

Cuando estemos ante una escena que queramos fotografiar debemos imaginar las líneas que dividen el cuadro en tres y cómo quedará lo que tenemos delante divididos en esas partes. Ahora, debemos evaluar cuáles son los elementos más importantes que tenemos delante e intentar colocarlos lo más cerca posible de las intersecciones que ha formado la cuadrícula.

En paisajes se recomienda colocar el horizonte en una de esas líneas divisorias. De este modo evitaremos la sensación de partir en dos la imagen al situar el horizonte justo en medio de la imagen.
En cuanto a los retratos, lo mejor es posicionar a la gente en uno de los lados del cuadro y dejar lo que llamamos Aire al otro lado. Esto está directamente relacionado con la Ley de la Mirada.

Cuando los retratos son primeros planos se recomienda situar los ojos en alguno de los puntos fuertes mencionados.


http://www.fotonostra.com/fotografia/reglatrestercios.htm